En la mitología griega, Narciso era un cazador de Tespia, en Beocia (alternativamente Mimas o la actual Karaburun, Esmirna), que era venerado por su belleza. Según Tzetzes, rechazó todas las insinuaciones románticas y acabó enamorándose de su propio reflejo en un estanque de agua, mirándolo fijamente durante el resto de su vida. El origen del término narcisismo, una fijación con uno mismo, Narciso es castigado por no corresponder al amor de una ninfa de la montaña. Así, ser vanidoso o estar enamorado de uno mismo se consideraba un engaño voluntario y deliberado a los cielos.
El mito de Narciso ha inspirado a artistas a lo largo de los tiempos, desde antes de que el poeta romano Ovidio presentara una versión en el libro III de sus Metamorfosis. En épocas más recientes, lo siguieron otros poetas (por ejemplo, Keats y Alfred Edward Housman) y pintores (Caravaggio, Poussin, Turner, Dalí (ver Metamorfosis de Narciso) y Waterhouse).
La afirmación de Jean Baudrillard de que «la vida es una mezcla de realidad y fantasía, o en otras palabras, es una ilusión introducida en el patrón de nuestras vidas para convertirse en una realidad en varios tipos de caminos» es un argumento a favor de la vanidad. En El retrato de Dorian Grey de Oscar Wilde, el carácter del propio protagonista podría aplicarse perfectamente a su autor. Wilde era conocido por su dandismo y su egocentrismo, que finalmente tuvo un final escandaloso, aunque teatral.
El mito tuvo una poderosa influencia en la cultura homoerótica victoriana inglesa, a través del estudio de André Gide sobre el mito, Le Traité du Narcisse (El Tratado de Narciso, 1891). El escritor y poeta Rainer Maria Rilke retoma el tema de Narciso en varios de sus poemas, en particular:
NARCISO
Rodeada por sus brazos como por una concha
escucha el murmullo de su ser
mientras soporta eternamente
el ultraje de su imagen demasiado pura…
Salvador Dalí es posiblemente el progenitor de la vanidad en el mundo del arte contemporáneo. Un personaje más grande que la vida, se inmortalizó a sí mismo a través de una apariencia extravagante, un comportamiento altivo y su característico bigote encerado. Era el favorito de la alta sociedad.
Toda su vida fue la encarnación de la vanidad, convirtiéndose en uno de los artistas más reconocidos del mundo, cuyas pinturas surrealistas, elaboradas con precisión, parecían ser propiedad de todos los famosos. «Todas las mañanas, al despertar, experimento un placer supremo: el de ser Salvador Dalí», se dice que proclamó en un perfil de la revista Smithsonian de 1953.
Los posteriores artistas superestrella, Jeff Koons y Damian Hurst, se vieron muy influenciados por la innovadora mezcla de creación artística y promoción grandiosa de Dalí.
Un dandi moderno, Iké Udé (editor de la revista de moda ARUDE, 1995-2009), viste inmaculadamente como un caballero británico de principios de siglo, y celebra en sus fotografías a celebridades de la industria cinematográfica y de los círculos sociales.
El fotógrafo y artista de performance estadounidense nacido en Nigeria afirma: «La existencia humana es, al fin y al cabo, un ejercicio de vanidad. Invertimos mucha energía y esfuerzo, especialmente en la juventud, para triunfar o conquistar el mundo. Por tanto, dejando a un lado nuestros artefactos e intervenciones culturales, la existencia humana es una colosal vanidad y debe tomarse con un enorme grano de sal». Los autorretratos de Ude y los retratos de otros anuncian una representación clásica de la belleza, y la resistencia del espíritu humano a pesar de (o debido a) la futilidad de nuestra existencia colectiva y perecedera.
Lo que nos lleva al arte de la Vanitas, un género pictórico que se detiene en la fugacidad de la vida. Tal vez las obras más conocidas de este género sean los bodegones de Vanitas, en la pintura holandesa y flamenca de la Edad Media hasta aproximadamente el siglo XVIII. Este estilo de pintura que yuxtapone los símbolos de la riqueza y la belleza, con los de lo efímero y la muerte, está referenciado en el arte contemporáneo, por ejemplo, la calavera de platino tachonada de diamantes de Damian Hirst en For the Love of God (2007).
También está Jeff Koons. Protagonista de sus primeras obras, en colaboración con la actriz/estrella del porno italiana Cicciolina, Koons causó un gran revuelo mediático al iniciar la serie de pinturas y esculturas Made in Heaven, en la difunta y grandiosa Galería Sonnabend de Nueva York, en 1991. Las imágenes eróticas explícitas de Koons y Cicciolina implicados en diversas actividades sexuales, colocan al espectador como voyeur.
Koons ha declarado con frecuencia que no hay significados ocultos ni críticas en su obra. Reverenciando a Salvador Dalí -visitó al artista en su prestigiosa residencia de la Quinta Avenida en el Hotel St Regis-, Koons llevó en realidad un bigote de lápiz cuando trabajaba en el MOMA en la década de 1970. Su exposición de 2008, Koons en Versalles, abrazó la decadencia, el voyeurismo, el esplendor y el juego de la extravagante residencia de Luis XIV, erigiendo un famoso cachorro gigante hecho de miles de flores apuntalado frente a la entrada principal del palacio de Versalles. A esto le siguió el autorretrato en mármol de Koons, con picos que sobresalen del pedestal como rayos de sol, colocado juguetonamente entre bustos de Luis XIV, el rey sol. Koons, a su vez, influyó en artistas más jóvenes como Damian Hirst, cuyo elaborado arte de choque, como El Becerro de Oro, un animal con cuernos y pezuñas de oro de 18 quilates, conservado en formol, llevó la vanidad a ámbitos imprevistos.
La artista francesa ORLAN expresa la vanidad como símbolo de belleza en una serie de culturas diferentes. En sus primeras obras, la artista se sometió a nueve cirugías plásticas faciales en la década de 1990 (como arte escénico, además de permanente), para adoptar en sí misma símbolos de belleza en pinturas maestras. Tiene los labios que se ven en un cuadro de Europa de François Boucher, la barbilla de Venus de Botticelli y la ceja prominente de la Mona Lisa de Da Vinci. Más recientemente, ORLAN trasplantó digitalmente sobre sí misma símbolos de belleza icónicos de las culturas latina y africana.
Atraer la atención, asegurándose de que se la ve y se la escucha en lo que hasta entonces había sido un mundo del arte dominado en gran medida por los hombres, con su característico peinado punk, sus brillantes gafos de gran tamaño y su excéntrica ropa, es, sin duda, parte integrante del concepto de la obra de ORLAN.
«Había un pequeño demonio en mi hombro que me susurraba al oído que fuera más allá y superara los límites», dice Carolee Schneemann, al hablar de los esfuerzos de las artistas feministas de la época que intentaban que se escuchara su voz.
Asimismo, Cindy Sherman, la artista fotógrafa, ha utilizado durante unas cuatro décadas el autorretrato vano como vehículo para destacar, adoptando diversas identidades imaginadas, desde estrellas de cine (por ejemplo, Marylin Monroe, Meryl Streep), hasta celebridades (por ejemplo, Jerry Hall, Frida Kahlo), así como retratos de la historia (a partir de retratos históricos de mujeres del Viejo Maestro), e incluso payasos, reinas y drag queens.
En 2008 declaró a la revista New York Magazine: «Me gustaban las muñecas y hacerles ropa y casas. Y, sin duda, disfrazarme. Era un placer culpable inventar estos personajes, porque me permitía jugar con el maquillaje y los estilos de vestir más sexys y anticuados que yo no habría llevado».
Sherman hace de sus placeres culpables una causa célebre y se mete prácticamente en la piel, la persona, el carácter y la vanidad de sus sujetos, inspirándose en la pintura, el cine, la publicidad, las revistas y los medios abiertamente eróticos. Durante su exposición retrospectiva en la Fundación Louis Vuitton de París (2020, 20021), dijo de sus autorretratos: «Se trataba de la falsedad del juego de roles, así como del desprecio por el público «masculino» dominante que leía erróneamente las imágenes como sexy».
Pionera en la ideología del autorretrato mucho antes de que Instagram y el acertado nombre de Facebook ofrecieran una plataforma exponencialmente más amplia para complacerse, Cindy Sherman desarrolló y jugó con múltiples personajes para cuestionar la clase, los roles de género, la identidad propia y la fantasía, el artificio y la ficción.
Lo que nos lleva a preguntarnos qué hay, en última instancia, bajo la superficie. Volvemos al círculo completo de Narciso eternamente enamorado de su reflejo, preguntando quién es ese hermoso desconocido.
Por Elga Wimmer
Co-publicado por M / intheArtworld, New York.