Desde la década de 1920 -una época crucial en la civilización occidental que vio la transformación de los imperios mundiales en una cacofonía de estados nacionales de un plumazo- no habíamos visto un año tan importante como el 2020, en el que la vida cotidiana de todo el mundo se pondría patas arriba, una vez más, de un plumazo.
En las capitales de todo el mundo -desde París a Berlín, pasando por Viena, Roma, Moscú, Tokio, Pekín y Washington DC- una nueva frase aparentemente inocua entraría en nuestro léxico: la actividad no esencial.
De la noche a la mañana, los grandes museos, las óperas, los teatros, el cine, las galerías de arte, las ferias de arte, las escuelas de arte e incluso las bibliotecas se cerrarían, considerándose no esenciales, en deferencia a las grandes tiendas y a los Goliat de las compras en línea que asumirían el papel de satisfacer las necesidades esenciales de las masas mundiales. «Dos semanas para aplanar la curva» sería la resbaladiza rampa de acceso a este nuevo mundo.
Sin embargo, a pesar de estos enormes obstáculos, durante el pasado año se celebraron en toda Europa algunas actuaciones y exposiciones en vivo realmente extraordinarias, que tuve la oportunidad de ver en persona. El más destacado fue el Festival de Salzburgo, que celebró su centenario con unas 110 actuaciones durante 30 días en agosto de 2020. El Festival abarcó todo el espectro cultural, incluyendo ópera, teatro y conciertos. Se establecieron reglas estrictas, por supuesto, llevando mascarillas y guardando las distancias, a la vez que se mostraban trajes de noche con gran atractivo, y se renunciaba a los rituales habituales de las redes sociales durante las representaciones sin intermedio. Era como si el espíritu de Herbert von Karajan -el director de orquesta estrella de los primeros tiempos del festival, que nunca dejaba el más mínimo detalle al azar- supervisara los procedimientos. El intendente de este año, Markus Hinterhaeuser, lo calificó de «pequeño milagro».
Bajo el muy apropiado título de Gran Teatro Mundial podemos ver la historia del Festival de Salzburgo que celebra su centenario en el Museo de Salzburgo. La exposición que repasa 100 años, discutiendo 100 objetos, recopilada y escrita por Margarethe Lasinger en un opulento catálogo, se prolonga hasta el 31 de octubre de 2021.
No sólo podemos descubrir (redescubrir), fragmentos de las grandes actuaciones musicales del pasado, sino también decorados, trajes, hojas manuscritas de música de personajes como Mozart, y sus partituras orquestales de estrenos mundiales como Don Giovanni, un manuscrito autografiado de la novela dramática de Peter Handke Storm Still, la corona de Hamlet de Shakespeare de 1970 (dirigida por Oscar Werner). Una verdadera joya es la Goldegger Stube, una sala de estar de madera de pino de la burguesía del siglo XVII, que rezuma la artesanía y la elegancia de su época.
En un tono más contemporáneo, una instalación maravillosamente alegre del nigeriano británico Yinka Shonibare, titulda The Bird Catcher, That’s Me, y que rinde homenaje a la Flauta Mágica de Mozart. Shonibare interpreta al Vogelfaenger (cazador de pájaros) Papageno en la ópera más popular de Mozart dejando que los pájaros se sienten fuera de sus jaulas. Así resuelve el «dilema del cazador de pájaros» -todos los pájaros son libres y se convierten así en un símbolo de libertad-, un tema central del estudio del artista sobre la cultura europea y su legado de colonialismo.
Elektra de Richard Strauss, el esperado plato fuerte del Festival, resultó espectacular. Bajo la dirección musical del director austriaco Franz Welser-Moest (también director musical de la Orquesta de Cleveland desde 2002), con la Filarmónica de Viena, la ópera, una tragedia en un acto, se representó en una producción contemporánea muy descarnada. El actor y director de ópera polaco Krzysztof Warlikowski tomó decisiones escasas y muy eficaces: una piscina estrecha, duchas oxidadas, un cubo oscuro, de repente iluminado y transparente, evocaban una atmósfera gélida y opresiva, que recordaba a un sanatorio.
Un cadáver es lavado, un sirviente se mueve a cámara lenta; preparando al espectador para el alto drama de la venganza de la Casa Real de Micenas. Tres mujeres están en el centro de esta tragedia: Clitemnestra (Tanja Ariane Baumgartner), Crisótemis (Asmik Grigorian) y Elektra (Ausrine Stundyte). Klytaemnestra, con un vestido negro manchado de sangre, está al borde de un ataque de nervios. Recordando el asesinato, por su mano, del marido Agamenón, habla de sus malos sueños, de su cuerpo comido por las polillas (…mein Koerper ist von Motten zerfressen). La mezzosoprano Tanja Ariane Baumgartner realiza una interpretación grandiosa, con una profundidad sonora y una excelente dicción.
La estrella de Salzburgo, la lituana Asmik Grigorian, vestida con un traje de cuero rosa plateado y tacones rojos, es Chrisothemis con una soprano brillante, alcanzando sus notas altas con fuerza y convicción. Otra lituana, la soprano Ausrine Stundyte, debuta en el papel principal. La entrada de Elektra es anunciada por un enjambre de moscas en las pantallas de vídeo. Ha esperado este momento de venganza, su danza de la victoria con movimientos convulsivos en un vestido blanco; sale como una mujer loca. La soprano Stundyte se entrega a este exigente papel. Klytaemnestra regresa llevando sus joyas como escudo, hablando de Orest, su hijo, desterrado de la casa. Se alegra creyendo que Orest ha muerto. Mientras Elektra intenta convencer a su hermana de que asesine a su madre, Orest (el barítono Derek Welton) regresa vivo. Mientras la sangre gotea de la pared, se prepara para matar a su madre. El amante de Klytaemnestra, Aegish (tenor Michael Laurenz), llega y Orest también lo mata. Los pájaros vuelan por el escenario, los muertos se cubren con sábanas blancas y la escena dramática se desarrolla en una habitación roja. Elektra baila como un fantasma y se cae.
Hay que mencionar especialmente a Kamil Polak por el vídeo, a Claude Bardouil por la coreografía y a Christina Longchamp por la dramaturgia.
También fue de gran interés la serie Canto Lirico. Sin duda, los románticos Lieder rusos de Peter I. Tschaikowski, interpretados por la superestrella soprano Anna Netrebko y su marido, el tenor Yusif Eyvasov, figuraban entre las actuaciones más esperadas (25 de agosto, Grosses Festspielhaus). En el programa había extractos de Pique Dame, Eugen Onegin e Iolanta, de Tschaikowski. Netrebko debe parte de su temprana fama al Festival de Salzburgo. La soprano, vestida con un largo vestido azul claro de gran efecto, hipnotizó al público con su voz fundida en la famosa escena de la carta de Tatjana en la ópera Eugen Onegin de Peter Tschaikowsky. El dúo de Pique Dame e Iolanta unió las voces de la pareja.
Netrebko robó el espectáculo, como siempre, con una gran presencia escénica y una perfecta adaptación del lado romántico del alma rusa. La pareja, a la que se unió en una escena la mezzosoprano húngara Szilvia V∂r∂s, estuvo acompañada por la Orquesta del Mozarteum bajo la dirección de Mikhail Tatarnikow.
Ningún Festival de Salzburgo podría estar completo sin Anna Nebtrebko: la soprano rusa actuará en 2021 en el papel principal de Tosca de Giacomo Puccini durante el Festival de Pascua, así como en el Festival de Verano.
Añadiendo un acento poético al Festival, el recital de Sunnyi Melles de poemas de Walther von der Vogelweide, Unter den Linden (Bajo los tilos) tuvo lugar en la Galerie Thaddaeus Ropac, donde se presentó la exposición de Anselm Kiefer Fuer Walther von der Vogelweide (del 25 de julio al 3 de octubre de 2020). Kiefer traslada al lienzo el encuentro de dos amantes representado en el paisaje medieval y lírico del Minnesinger utilizando representaciones de briznas de hierba rotas, flores secas, trigo y paja, los símbolos icónicos de la pintura de paisaje. Sunnyi Melles se situó en lo alto de una escalera de la galería, recitando poemas que se mezclaban a la perfección con el mundo del artista visual, con ocho siglos de diferencia, pero intrínsecamente unidos en expresión y virtuosismo. Una experiencia maravillosa con esta aclamada actriz que interpretó, entre otras cosas, a la legendaria Botschaft en Jederman, la pieza de resistencia del Festival de Salzburgo. Actriz de formación clásica, supo arrastrar a su reducido público (debido a las restricciones actuales), al romántico mundo alemán austriaco de Walther von der Vogelweide, dejando atrás las preocupaciones actuales de nuestro mundo durante al menos 30 minutos
A principios de 2020, antes de que se detuvieran las representaciones en vivo y los conciertos, pregunté a Marina Abramovic por su próximo gran proyecto, en una gala benéfica de arte en la Ópera MET de Nueva York. Me habló de crear una ópera sobre las siete muertes de Maris Callas. La fascinación de Abramovic por la muerte teatral fue presentada al público en La vida y la muerte de Marina Abramovic, dirigida por Robert Wilson en 2013. En su ópera en la Staatsoper de Múnich a principios de septiembre de 2020, la artista de la performance, que se compara a sí misma con la estrella de la ópera Callas, eligió escenas de siete óperas, en las que la heroína sucumbe a la muerte por apuñalamiento, caída, veneno, suicidio y, por último, amor no correspondido. Como explicó Marina Abramovic, se sintió cercana a Callas tanto física -ambas desprenden una cualidad oscura y fuerte- como emocionalmente. Ella también experimentó «la muerte por un corazón roto» en su vida personal.
Durante las representaciones (con el director de orquesta Yoel Gamzou y la Staatsorchester de Baviera) de siete cantantes de ópera diferentes representando las distintas escenas de la muerte, Abramovic, en el papel de Callas, está tumbada en la cama en el fondo. Como tercer telón de fondo, una enorme pantalla muestra a Abramovic, con su compañero de rodaje William Dafoe, en los distintos papeles de ópera, por ejemplo, como Tosca (Puccini) vestida de novia cayendo a cámara lenta desde un rascacielos a una limusina. Junto con el actor de Hollywood, corre hacia un fuego voraz, como «Madame Butterfly» (Puccini). En otra escena, Dafoe atrapa a Abramovic como Carmen (Bizet) con un lazo y la apuñala hasta la muerte. La extraordinaria partitura musical, compuesta por el serbio Marko Nikodijevic, crece y se enfurece, entrelazando motivos de las arias trágicas originales.
La representación culmina con un gran final: la octava y verdadera muerte de la propia Callas, en lo que parece su lujoso apartamento de París, en la avenida Georges Mandel, representada por Abramovic. Al aparecer con un vestido dorado, escuchamos con gran emoción la voz de Callas como Norma (Bellini) en el aria Casta Diva, una de las más hipnotizantes y preciosas del género de la diva inolvidable.
Los artistas suelen elegir retratar a personalidades más grandes que la vida, y Abramovic resucita con éxito a la diva de la ópera Callas, y la voz que encarna un reflejo de su vida en la que salió de la nada y lo consiguió aparentemente todo, para luego descender desgarradoramente de nuevo a la nada como las siete heroínas de las siete óperas.
En la ciudad austriaca de Linz, tuve la suerte de ver también en persona, ARS ELECTRONICA 2020, el Festival de Arte, Tecnología y Sociedad (9-13 de septiembre de 2020), que se celebró en el Campus JKU de Linz (y en otros 120 lugares del mundo). Bajo el título «En los jardines de Kepler, un viaje global para cartografiar el nuevo mundo», se debatieron las cuestiones importantes de nuestro tiempo, cuestiones planteadas por la crisis mundial del COVID. Aunque la exposición se celebró digitalmente en todo el mundo, en realidad tuvo lugar en los jardines de la Universidad de Arte y Diseño de Linz. Repartidos por los jardines, a excepción de un pabellón, artistas internacionales presentaron sus obras, desde nuevas formas de robots que lo diseñan todo, desde la pintura a la ropa pasando por los drones, hasta el uso de la inteligencia artificial para «salvar el medio ambiente», creando nuevas formas de supervivencia para plantas, animales y humanos.
En el pabellón principal, Olga Kisseleva (París/San Petersburgo), presentó Eden, una instalación premiada. El premio se concedió por la colaboración innovadora entre la industria, la tecnología y las artes, abriendo nuevas vías, creando un diálogo con una red global. La esencia de la ARS ELECTRONICA de este año se reflejó en los temas principales: Autonomía – Democracia; Ecología – Tecnología; Humanidad; Incertidumbre.
El proyecto Edén de Olga Kisseleva aspira a crear un nuevo Jardín del Edén, como objetivo último de la introducción de tecnologías innovadoras en el arte, utilizando un pensamiento poco ortodoxo para resolver problemas ecológicos. Utilizando el ADN de un árbol en peligro de extinción, el olmo de Biscarosse, Kisseleva creó una serie de obras de bioarte basadas en los árboles, dando así un renacimiento a la especie en peligro.
Otro nexo de unión entre el arte y la innovación tecnológica moderna pudo verse en las obras de Re-Textiles 3D / Ganit Goldstein (IL). Este proyecto forma parte de la exposición STARTS del Festival. El proyecto Re-Textiles 3D pretende desarrollar un nuevo sistema de producción para la industria de la moda, basado en un escaneo corporal específico utilizando la última tecnología de cámaras de profundidad. El proyecto investiga sistemas de medición digital que puedan determinar las tallas exactas de personas concretas sin necesidad de tocarlas. El proyecto utiliza filamentos reciclados fabricados al 100% con residuos de botellas de agua en un proceso de impresión 3D FDM, que transforma la producción en una economía circular, utilizando sistemas sostenibles.
Machine in Flux – Wood, de Sunjoo Lee (Corea del Sur) y Ko de Beer (Países Bajos), crea un «dibujo sobre madera», parecido a los anillos anuales que se encuentran en el tronco de un árbol, por medio de una máquina, ofreciendo un documento y una cartografía del tiempo registrado en nuestro entorno.
El artista estadounidense Richard Humann produjo un efecto muy parecido a través de sus dibujos hechos a mano, que tardaban meses en realizarse, y que servían de diario del artista. La máquina, por supuesto, produce el mismo efecto en cuestión de horas. La máquina, que sigue siendo una iniciativa de los artistas, muestra cómo la tecnología puede utilizarse para crear obras de arte inspiradoras. La obra también hace referencia a las influencias ambientales, como los cambios de luz, viento, temperatura, sonido y proporción de humedad. Las condiciones ambientales cambiantes se dibujan con tinta sobre papel, otra forma de diario.
Las diferencias de matiz en los anillos, que parten del centro del soporte, muestran la intensidad de la luz, los cambios de temperatura, la dirección y la fuerza de los vientos y otros elementos de la naturaleza. El trabajo consiste en estudiar los bloques de construcción programables más pequeños a partir de los cuales surgen los fenómenos naturales complejos, investigando cómo las máquinas pueden imitar a la naturaleza.
El Centro Ars Electronica (fundado en 2009), también llamado «Museo del Futuro», lleva mucho tiempo en la vanguardia de la combinación de las nuevas tecnologías con la medicina, la arquitectura, la ciencia, el arte y el medio ambiente, y apoyando la investigación en estos diversos campos mediante seminarios y encuentros internacionales.
De cara al futuro, otras exposiciones presenciales que tendrán lugar en Europa durante el resto de este año y que probablemente cubriré en este espacio son ARCO Madrid, del 7 al 11 de julio de 2021; CAAC, Sevilla, Amazonas, comisariada por Berta Sichel, del 6 de mayo al 31 de octubre de 2021. Y, por supuesto, el Festival de Salzburgo de este año, del 17 de julio al 31 de agosto de 2021, que presenta por primera vez Ricardo el Niño y el Rey, según William Shakespeare, con textos de Tom Lanoye, dirigido por Karin Henkel. En Múnich, en la Haus der Kunst, Methamorphoses arroja luz sobre la polifacética artista suiza Heidi Bucher, del 17 de septiembre de 2021 al 16 de enero de 2022. De vuelta a Estados Unidos, el Krannert Art Museum mostrará A Question of Emphasis: Louise Fishman Drawing, del 26 de agosto de 2021 al 26 de febrero de 2022
Por: Elga Wimmer
